Mandra Cerrone

aprire il cuore

2011-12-25T18:47:00.001Z

La vita di un uomo è un cerchio

2010-07-02T19:15:00.000+01:00

frame video

Nella discordanza tra dionisiaca frenesia dei personaggi e nella drammatica solennità della musica e dell’interminabile didascalia che scorre come un mantra, si gioca il senso di questo video: la libertà dell’inconsapevolezza ci appare più come desiderio che essa resti o sia tale, i nomi delle persone scandiscono dati reali dell’esistenza, storie e personalità; ci siamo quindi potenzialmente anche noi: ma questa differenza data dal rapporto tra immagine e musica, sembra quasi suggerirci altro: la non-coscienza (la nostra condizione felice dell’infanzia) è un ritorno, un anelito a recuperare quello stato originario che però si realizza come completezza di Umanità solo nella piena consapevolezza di aver attraversato il vivere. La vita di un uomo è un cerchio ancora da chiudere; è rendersi conto che la completezza richiede una sorta di ascetica, di liberazione interiore. Posto così, il video diviene il richiamo alla ricerca di un senso profondo che non si realizza né nella frenesia assoluta e nemmeno nella consumazione dell’ascesi, ma soltanto se le due cose sanno esistere insieme.
A Zimarino

La vita di un uomo è un cerchio

2010-07-02T19:10:00.000+01:00

Silent Family - video

2010-07-01T15:16:00.000+01:00

Silent Family

2010-07-01T15:13:00.000+01:00

12 famiglie

la famiglia di Stefania

la famiglia di Lorena

la famiglia di Mirco

la famiglia di Ida

la famiglia di Erika

la famiglia di Antongiulio

la famiglia di Albano

la famiglia di Martina

la famiglia di Silvia

la famiglia di Elisa

la famiglia di Angelo

la famiglia di Alice
Mandra Cerrone – video e still life Silent family
foto Piero Lullo, pierolullo@yahoo.it

E’ la ripresa d una performance, della realizzazione di un tabliaux vivents, ma il video, condensando e accellerendo il processo di costruzione, vede dipanarsi e costruirsi un senso, tra memoria / interiorità (bianco e nero) e realtà (colore). Finche prendono forma esperienze della memoria individuale di chi costruisce: ma tutti possiamo fare ed essere quel “processo” perché ognuno può o potrebbe rimostrare agli altri il puzzle di relazioni che la sua “famiglia” in quanto relazioni sociali germinali, è stata. Quindi io non guardo soltanto il video e il processo che racconta: io sono potenzialmente quel processo. Io posso esserlo e se almeno perdo due minuti in me stesso ad immaginarlo, entro nella dimensione della mia personale “analogia” e percorro, a partire dall processo logico, il mio luogo analogico. Ovvero vivo l’esperienza della mia interiorità a cui cerco di ridare almeno qualche senso.

Antongiulio Zimarino

Al centro del mio lavoro c’è l’essere umano. Resto sempre affascinata dall’immagine corporea che ingrandita nel monitor diventa una geografia infinita da esplorare e percorrere in lungo e in largo sui pixel pelle anima…Osservando gli esseri umani, ancor più dell’immagine mi conquista quello che non si vede; la psiche, i pensieri nascosti, le attitudini inconsapevoli, i segreti, il buio profondo e la luce intensa che tutti portiamo dentro. Le cose che si rendono manifeste solo a uno sguardo molto allenato. Un sentire/vedere fatto di totale dedizione e apertura verso l’altro.Una sorta di innamoramento dell’imperfezione, della contraddizione, dei singolari conflitti di ciascuno.
E così è nata Silent Family; ho indagato lo scenario mentale, interiore, che da senso ai nostri gesti, alle nostre affermazioni. Negando la parola, il racconto verbale della biografia di ciascuno, ho attinto al mito che solo un’immagine può comunicare e trasmettere, da cuore a cuore, silenziosamente.L’allestimento scenico delle relazioni familiari, un’immagine cristallizzata dallo scatto fotografico, permette a chi guarda di interpretare prossemicamente ogni gesto, d’interrogarsi a lungo sulla qualità dei legami.
L’immagine, lieve come un contenuto mentale, quasi immateriale, rivela in realtà i condizionamenti, le pesanti catene con cui la nostra genealogia c’imprigiona, progetta la nostra vita, impedisce la nostra realizzazione, molto spesso con un frainteso doloroso sentimento di pseudo amore.
Mandra Cerrone

Lina,ci ricamo sopra

2010-06-01T19:05:00.001+01:00

2010-06-01T18:00:00.000+01:00

Agata - Luxury for SEVEN

2009-12-08T20:14:00.006Z

agata - luxury for SEVEN
Pinacoteca Teofilo Patini, Castel di Sangro,AQ
dicembre 2009

2009-05-10T12:10:00.005Z

Dio in Genere
di Antonio Picariello

“E lo Spirito dei principi maschile e femminile si librava sulla superficie dell’informe e la creazione ebbe luogo”.
Adesso, Mandra Cerrone, non ha più tempo per giocare. Chiede agli dei la verità sulla propria natura. L’opera si fa potente. Ho appena parlato al telefono con il mio amico fraterno A.G. ritornato nella sua Città, L’Aquila, dopo la notte della catastrofe. La città degli dei maschili e femminili non esiste più. Esistono ancora le spiritualità degli uomini e delle donne che dal principio originario, quella città speculare alla Gerusalemme degli dei, l’hanno incarnata nella memoria, nelle ossa, nel proprio sistema biologico, maschile femminile, e la fanno vivere oltre le mura crollate, oltre i confini delle pietre spostate dal sisma. Oltre la morte, oltre tutto l’immanente e l’ascetico che pur regge nella spiritualità discussa di un Celestino V. Mandra Cerrone ha un proprio linguaggio a cui non può sottrarsi. L’immagine dirompe la facciata della significazione, rimuove il concettualismo riflessivo, smarca ogni semantica possibile; non pretende dare o avere spiegazioni. Non ambisce a provocazioni che pur sarebbero lecite davanti alle percezioni semplificate dello spettatore. Qui l’opera d’arte diventa simulacro di un endogeno senso antropico: il culto delle divinità. Se è universalmente distribuito nell’equilibrata dicotomia maschile femminile apre inquietudini sottili a ritrovarsi con un potere assoluto dettato dalla volontà di chi ha timore della polarità e forza la determinazione di un posizionamento al vertice, un potere vettoriale esclusivamente a carattere maschile elemento assoluto nella medianicità tra il dio e l’umano. Un maschile assoluto in morsa strutturale che ignora il suo lato essenziale dettato dalla significazione, anche letteraria, del femminile. Sappiamo qualunque polarità genera movimento. Sappiamo il pianeta non tollera monotematiche impositive. Qualunque sia la condizione e il pensiero, qualunque empatica solitaria riflessione sul senso esistenziale, premette una necessaria oscillazione dialettica tra ciò che veramente esiste in natura e che è madre assoluta. Maschile/femminile; un uno per il tutto. Ed ecco la domanda che l’opera divulga. I motivi volontari che pongono in rappresentanza di un solo Dio un solo uomo inteso nella sua natura di specie e di genere: un solo piano maschile in peso alla sostanza della verità esistenziale che vuole l’alternanza polare femminile per poter essere ed esistere. Mandra Cerrone ha profondità spirituali e affezioni gnoseologiche che non lasciano scampo. La sua stessa conformazione culturale le obbliga, attraverso l’espressione artistica, di non evitare la verità del mondo. La più bella città del pianeta è appena scomparsa. Lo sento dalla voce del mio amico fraterno, l’aquilano di razza. La bellezza non chiude i battenti. Fin quando ci saranno uomini e donne di questo calibro, l’arte e le città saranno in ogni punto dell’anima e della vita sempre presenti e vive. Adesso, Mandra Cerrone, non ha più tempo per giocare. Chiede agli dei la verità sulla propria natura. L’opera si fa e ci rende potenti.

femineus et masculus

2009-02-09T19:19:00.000Z

2008/2009

AMORE, azione psicomagica

2008-12-29T10:52:00.005Z

Lino Alviani / Celso Bambi /Francesco Basti / Mattia Basti / Mariarosa Canci / Federico Carulli / Armando Cerrone / Elisa Cerrone / Lorena Cerrone / luigi Cerrone / Angelo Colangelo / Maria Colosimo / Vitaldo Conte / Edgardo Cotellucci / Ivan D’Alberto / Maria Rosa Dei Svaldi / Paolo Dell’Elce / Camilla De Petris / Alessandra Di Blasio / Rossella Di Clemente / Rosaria Di Rienzo / Leonello Di Risio / Paola D’Onofrio / Mariagrazia D’Orazio /Cecilia Falasca / Franco Fiorillo / Sharma Ji / Cristobal Jodorowsky / Marilisa Laudadio / Real / Francesca Maffei / Annamaria Marcucci / Meri Mantovani / Ada Mariano / Giselda Marocchi / Fabio Mastropietro / Michele Meomartino / Gabriella Mereu / Rosa Montuori / Francesco Paci / Silvia Pennese / Ottavio Perpetua / Antonio Picariello / Ferdinando Renzetti / Andrea Santilli / Marco Sclarandis / Silvana Secatore / Emanuele Spadano / Martina Spadano / Mimmo Spadano / Paola Tommasina / Paola Volpe / Zoe Zerbinati / Antongiulio Zimarino / Ghita Zurini

Da:Mandra

Con questa mail inizia la performance artistica dal titolo provvisorio di AMORE
Tutti i destinatari di questa mail sono persone per me speciali, ho sentimenti d’affetto e di stima per ognuno di voi e da ognuno di voi mi sento ricambiata. La natura di queste relazioni è varia (padre, amica, terapeuta, collega ….) ma ognuno di voi mi conosce abbastanza da poter parlare di me, in mio favore.
A ognuno di voi chiedo “una lettera di raccomandazione” che mi accrediti presso AMORE.
AMORE è un Ente, una Visione, un’Inclinazione dell’Anima, un Modo di Esistere in cui vorrei entrare, pienamente “assunta”.
Con voi non servono molte parole, esiste tra noi una risonanza profonda. Non so dirvi esattamente dove porterà questa ricerca, è una sperimentazione di tipo psicomagico, inneschiamo un processo.
Per loro stessa natura le lettere di raccomandazione sono pubbliche, ne farò qualcosa … altri le leggeranno.
Vorrei che fosse indicato :
Data e luogo
Nome Cognome
Qualifica
Relazione con me
Oggetto: lettera di raccomandazione per Mandra Stella Cerrone presso AMORE
testo
firmate
(Meglio se avete una carta intestata)
Chi non desidera partecipare non mi deve spiegare nulla, tutto resta immutato.
Grazie.
e-mail: mandracerrone@fastwebnet,it cell
http://www.mandracerrone.blogspot.com/ http://www.mysticdriver.blogspot.com/

inviata ai 55 destinatari indicati nel marzo 2008
si conclude la raccolta delle raccomandazioni a dicembre 2008
Ho invitato 55 persone, la 56° è giunta inaspettata.
33 (=32+1) persone mi hanno ritenuta raccomandabile e sono state incredibilmente generose con me.
Su 9 parenti invitati 3 hanno scritto per me.

Mio padre, mia madre, mio fratello e mio marito non mi hanno raccomandata; li ringrazio di esistere nella mia vita come conflitto e come soluzione, legamenti …
22 persone non hanno scritto per me, di queste:

8 mi vogliono bene e partecipano alla mia vita, so di aver chiesto loro una cosa troppo difficile.

La non partecipazione degli amici + 6 parenti ha un posto speciale nel mio cuore e nelle intenzioni di questo lavoro.

5 persone potrebbero non aver ricevuto l’invito, oppure lo hanno dimenticato, o semplicemente ignorato.

2 persone mi hanno sorpreso, la loro assenza qui mi è incomprensibile

1 amico l'ho perso

Restyling

2008-10-03T11:09:00.024Z

foto: Silvia Pennese

foto: Ottavio Perpetua

foto: Mattia Basti
Restyling è un termine di origine inglese utilizzato in diversi ambiti con il significato di una rivisitazione di un oggetto esistente senza uno stravolgimento consistente dello stesso. (Wikipedia)

Performance, still life

Per 3 giorni mi consegno nelle mani del maestro Angelo Colangelo per la "ristrutturazione".
Come art creator so bene cos'è un restyling; si tratta di attualizzare, rendere compatibile con il gusto e le necessità di questo tempo qualcosa che è stato concepito in un tempo diverso, in un altro luogo, con diverse finalità . Attraverso la sofferta manipolazione del corpo fortifico, purifico me stessa; mi rendo idonea a questo tempo, un tempo difficile...

Francavilla 30 settembre, 1 e 2 ottobre 2008

da Restyling a "Dolcissima Decollata" (scultura in cioccolata ottenuta dai calchi del viso)

Denaro Santo

2008-06-19T17:04:00.001+01:00

Mandra Cerrone – Denaro Santo

Il denaro non è solo ciò che è ma è anche tutto l’immaginario che ad esso è legato. E’ una cosa “sporca” per le implicazioni negative del suo uso, per i furori che può suscitare, per il suo essere associato con il potere, le fortune, le crisi, le disgrazie. Distrugge, certamente, ma può essere anche possibilità di riscatto, di libertà, indipendenza, di giustizia, possibilità di cambiare le sorti, le fortune in terra, possibilità di una dignità, possibilità di vivere, di dare serenità ecc. Il potere del denaro non si dà in sé, ma è esattamente quello che noi riteniamo di dargli, simbolicamente e realmente parlando; il suo “uso” si qualifica in base al tipo di relazione che intendiamo costruire e sviluppare con esso: il denaro prende la strada che gli diamo e assume il ruolo che gli attribuiamo, esprime il nostro orizzonte esistenziale e relazionale.Il gesto simbolico di “lavarlo” apre un orizzonte di senso differente: lo “libera” dalla sua storia negativa e lo può far diventare strumento di abbondanza, di felicità distribuita e condivisa. Il denaro può tornare ad essere ciò che noi vogliamo sia, attraverso una “scelta”, un gesto concreto che cambi il nostro rapporto con esso. E dopo questo gesto, quale diventerà il nostro modo per rendere santo il denaro? Come faremo noi che guardiamo ed entriamo nei senso metaforico dell’opera, a farlo diventare strumento di giustizia e di libertà reciproca e non strumento di discriminazione o abbrutimento?

Antongiulio Zimarino

Un’intensa storia è contenuta nel denaro; una storia di guerre, devastazioni, smisurati egoismi. La storia è in noi, la proiettiamo sul denaro e la subiamo come realtàI soldi sono un’energia di cui bisogna trovare l’essenza, non sono un’idea ma sono condizionati dalle idee, da ciò che proiettiamo su di loro.I soldi sono contenitori di idee (bene, male, vergogna, peccato…) che ci delineano l’esistenza, cambiare una sola idea è già una rivoluzione.Il denaro è fallico, rappresenta il potere maschile, per antica tradizione culturale e sociale appartiene agli uomini, fino alla storia recente le donne non lo hanno amministrato ne prodotto. Nella mia visione sono le donne a “lavarlo”.Lavandolo, fisicamente e metaforicamente, si converte il denaro “sporco” in energia divina utile allo scambio e all’evoluzione.Con una azione conscia modifico una convinzione inconscia che mi arriva da lontano.In un processo di consacrazione spiritualizziamo la materia e materializziamo lo spirito. Il denaro ripulito da emozioni e idee negative è la struttura stessa della materia, è un’energia sacra.

Mandra

Denaro Santo, video

2008-06-19T15:10:00.000+01:00

performance, video e still life
Lavatoio Pubblico di Popoli, Pescara
8 ottobre 2006

DenaroSanto

2008-06-19T14:33:00.000+01:00

Ostie Psicomagiche

2008-06-17T16:13:00.000+01:00

Mandra mangia Jodorowsky

Francesca mangia Freud

Martina mangia Gandhi

Silvia mangia Duchamp

Antonio Picariello

2008-06-16T16:43:00.000+01:00

MANDRA CERRONE – Avanguardia Spirituale –
Antonio PICARIELLO
“Jodorowsky racconta che suo nonno avrebbe attraversato la Cordigliera delle Ande a dorso di mulo: era la prima volta che la Torah (la legge ebraica) entrava in questa maniera in Cile”
Quanta influenza sull’espressività artistica di Mandra Cerrone abbia Jodorowsky, lo si rileva dal segno. Jodorowsky squarcia le visioni con la memoria del racconto, crea scene mentali, obblighi terapeutici, diagnosi con la metodologia del mito. Si avvicina a dio giocando con i suoi stessi segni. Firma il suo biglietto da visita con la croce divina e pubblicizza l’anima profonda del poetico, del palinsesto visivo, della rivoluzione senza rivoluzione; il punto del cambiamento fagocita l’inizio senza rinnegare il principio che allo stesso tempo viene rinnegato dall’apparizione di qualcosa che ha per natura l’innovazione. Mandra Cerrone scivola nella compiacenza velata del discepolo, ascolta, percepisce, si rinforza dal racconto. Attraversa la cordigliera del pensiero contemporaneo con la sicurezza del linguaggio performativo, della scena teatrale: non osa a dio, ma al mito e a Shakespeare. Mi è capitato spesso di presentarla. Spesso ho comparato la sua arte, l’arte di Mandra Cerrone con alcune avanguardistiche forme espressive degli anni novanta; linguaggi che hanno soddisfatto il tempo e che ora respirano la caduta normalizzata delle avanguardie contemporanee. Il post umano di Andersen per esempio, lo stesso Cattelan, oltre il mercato, si restringe per sua stessa condizione comunicativa, nel proprio linguaggio, rientrano nella cornice. Mandra Cerrone supera il senso del tempo per sua spontanea nobile propensione, conduce la fantasmagoria di una simbolica Torah latinizzata , rinvigorendo la descrizione del contemporaneo immediato con il segno magico di un racconto semplice. “Sient Family”, “Denaro Santo”, “Mangiandoti Assimilo La Tua Essenza”, ecco alcune lance perforative del pensiero contemporaneo, ecco il punto di svolta ecco il linguaggio che insigne alla teatralità e modella scene d’impatto riconoscibili, d’impulso accomandanti il senso dell’appagamento e del ristoro, il senso del senso del silenzio “ di cui non si può parlare”. Il mito ritorna alla nostra condizione solo perché Mandra Cerrone lo vuole in prestito, perché la ricerca ha raggiunto inconsapevolmente un punto apice, un punto, un livello, un grado angolare che richiama continuità, quasi assoluta necessità, di un oltre espansivo. Oltre la forma e la visione, mirando all’ “energia” ( come altro potrebbe definirsi) della percezione temporale dilatata mentalmente. Oltre le condizioni delle consuete dimensioni; il tempo dell’altrove ripartito per sentito amore del linguaggio e della ricerca dell’arte, un sentire come trasportare un simbolo divino che ci accomuna in una zona “pangeografica” del pianeta in avanguardia al sapere del mondo. Necessità di sguardi che ritrovano se stessi, non come spettatori di fronte ad un’opera, ma come clienti del proprio esistere messi davanti ad un linguaggio della natura, un archetypo dimenticato dalla memoria comune, ma fisso e stabile nella memoria degli atomi, delle cellule, dei primordi contemporanei. Family, dove la composizione delle scene, la disposizione degli oggetti umani, del bianco vestale, riordina con semplicità l’armonia acclarata della manualistica dell’anima e ristorna al racconto orale, alla scena familiare di antico retaggio, riportando il principio divino in cui la danza precede il movimento, la ripartizione storica precede il progetto, lo spirito acquisito, precede l’immagine sentita e così la scena compone se stessa, la propria consapevolezza dei ruoli familiari, una candida family nel rituale del bianco che rifiuta il cromatico e diventa colore assoluto come un segno d’arte che precede l’avanguardia, qualunque avanguardia con la semplicità della significazione accettata per natura istintiva o per consapevolezza razionale. E il rituale si acclara potente nella dimensione riflessiva di “Denaro Santo” ove l’antica liturgia della purificazione, la grande madre o le vestali del tempio, riformattano il simbolo dello scambio e del valore, l’icona filigranata del denaro contemporaneo, nella sostanza divinizzata della purificazione. Il lavare le vesti, il lavare il denaro il lavare il pensiero con battiti di immagini fotografiche che richiamano analogie rinascimentali e piaceri diffusi dalla voce granata della storia dell’arte. E il rito si fa concluso quando l’effige fisica che riproduce la persona impregna il piano orizzontale delle ostie che diventano cibo, antropofagia di cui il latore esecutivo si impossessa attraverso i condotti incarnati dell’anima e dello spirito. Attraverso le procedure e i canali dell’arte che diventa così scena dell’arte in divenire obbligandoci a riflettere, come lanterna filosofica, sul tempo e il senso di esistere. Sempre e dovunque, oltre ogni simbolismo e avanguardia celata, con il filo dell’amore e dell’amare continuo.

http://www.criticart.it/?p=3399#comments

Erotic/Fashion/Apple - video

2008-06-15T16:30:00.000+01:00

SEMIPROIBITI
VIII ed I Colori del Territorio, Spoltore 2007
rassegna "Labirinto in gioco: arte e voce della natura"
a cura di Antonio Picariello

Erotic/Fashion/Apple

2008-06-15T15:19:00.001+01:00

foto Ottavio Perpetua

performance, allestimento, video, still life

Qual'è il tuo frutto proibito?

° E' da anni che ci penso e mi sa proprio che è la FRAGOLA

° E' qualcosa che capita di rado perchè non si potrebbe fare e perchè la scenografia è disponibile solo in un periodo dell'anno...sai è un luogo pubblico e per di più toccato dalla mano di Dio; comunque te lo dico.Fare l'amore con la propria compagna in tarda notte nel piazzale antistante San Liberatore a Maiella; l'erbetta fresca, i suoni della natura e, soprattutto, migliaia di lucciole rendono lo spettacolo indimenticabile...
° molto, molto succoso... rosso, maturo dolce e un po' acidulo..susina rossa, matura e soccosa....macch' anonimato... certe "preferenze" vanno reste manifeste... non si sa mai... trovi uno golosissimo di susine....con la sfiga che mi ritrovo magari ne trovo uno "allergico"...( sto rileggendo la mereu)
° Ma la banana!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
° il proibito è la libertà di dire, di fare.... booo
°in trentino le mele sono il frutto del lavoro non del peccato, vengono faticosamente raccolte a € 6,00 l’ora
° Che razza di domanda! Ti aiuto ben volentieri, ma almeno svelami qualcosa della mostra. So' curioso!Frutto è inteso in senso metaforico o ortofrutticolo?
° Certo come no...io adoro la banana e il cocomero....:) ciao ciao
° ti sembrerà strano, ma è una semplice storia della mia infanzia; la pesca. sai, le pesche vellutatine, quelle un po' a punta (più rare, rispetto alle pescone cicciottòne che oggi si trovano in commercio. beh, questo banalissimo frutto è per me il frutto proibito, senza allegoria alcuna (a parte episodi affettivi) nè metafora. un frutto autentico.
° L’Amore, quello vero
° non riesco a capire cosa vuoi sapere perché le "....." mi mettono fuori pista dal punto di vista della interpretazione del messaggio se ti riferisci ad un frutto non sento nessuna forma di proibizione perché posso comperarmi ciò che desidero (compatibilmente con il prezzo di mercato). Se le virgolette stanno invece ad indicare l'oggetto lontano dei miei desideri allora ti rispondo che vorrei fare un viaggio lontano ,possibilmente in un mare bello,con chi mi piace. Non so risponderti diversamente. Aggiornami
° .....PAOLA.
° Il mio frutto proibito è e rimarrà sempre lo stesso: la coltivazione un po' morbosa di una certa parte del mio cervello che si bea dei propri "sragionamenti".Ti sembrerà strano, ma questa cosa per me ha tutto del frutto proibito: la tentazione, l'estasi, la gratificazione, la vanità, la colpa, la punizione, il pentimento, l'espiazione, la redenzione.
° Ero sotto un albero di noci in un luogo deserto, quando ho visto due ragazze uscire da una casa diroccata disabitata, entrambe in minigonna di jeans con le mani libere. E che ci fanno qui queste? Non credo che sono venute a prendere le noci! ho pensato tra me. Quando ci hanno visti sono sembrate sorprese e si sono messe a camminare quasi di corsa, una avanti e l'altra dietro a diversi passi di distanza, come se non si conoscessero. Una si aggiustava la gonna l'altra i capelli. Le ho seguite incuriosita finché non sono arrivate ad un motorino parcheggiato abbastanza lontano sulla strada asfaltata. Questa semplice immagine mi ha fatto venire in mente che le due giovani ragazze si erano nascoste dentro il rudere per farsi l'amore. Forse è vero forse no. Ma io l'ho pensato e pensandolo ho immaginato che mi sarebbe piaciuto guardarle senza essere vista, come pure mi sarebbe piaciuto guardare due ragazzi. Allora mi sono ricordata di te. Ecco il "frutto proibito" per Mandra! ho detto.
° La mela n zanna……….prego
° Il mio frutto proibito è la banana
° A proposito del frutto ne ho diversi proibiti: le ciliege di cui sono golosissima ma purtroppo non tollero e le banane di cui ho tanto bisogno per il loro quantitativo di potassio ma di cui non abuso per la difficile digeribilità. Più proibite di così!
° Una domanda da cento milioni di dollari… appunto. La ricchezza, il denaro facile. Sono una bella donna. Me lo proibiscono la morale e l’etica.
° L’ho portata in un bosco avvolta in un lenzuolo bianco e l’ho colpita, molte volte, finché il lenzuolo non è diventato tutto rosso, grondante, e il mio dolore s’è fatto più leggero, sopportabile.Era solo una bottiglia di vino, ma portava il suo nome.
° Boh …. io c’ho la play station
° il mio frutto proibito è la FRAGOLA. Ma tanto proibito poi non deve essere, visto che quest'anno ho comprato due piantine di fragole e da 15 giorni il mio balcone ospita tanti piccoli "frutti proibiti".
° il mio frutto proibito è il melone.... stravedo per questo frutto!!!
° Il mio frutto proibito è il maracuja (altrimenti detto frutto della passione) E' buonissimo ma proibito perché si trova poco e quando si trova costa troppo ma.... quando lo vedo lo compro.
° il mio frutto proibito, a dir la verità non so se intendo bene l'aggettivo proibito, a me viene da pensare preferito,e e ti dico la ciliegia!!!
° Eva con la mela
° Il fico
° S.A.L.I.G.I.A.
° ora che ci penso anche analizzando la parola "fragola" mi viene fuori: fra- la -gola. Saranno peccati di gola o sarà qualche "rospo" che a volte non va' su e ne giù???
° il mio frutto proibito è vedere un po’ più di giustizia in questo mondo .....
° Il mio frutto proibito è l’Archetipo dell’ESSERE NEL DIVENIRE.
° ok
° Per quanto riguarda "il frutto proibito" ce ne sarebbero tanti da cogliere, ma ho capito che sono proibiti semplicemente perché me li proibisco io. Comincerò a cogliere (speriamo) quello del "successo", senza remore e timidezze.
° Il cactus
° Adoro i fichi d’india.
° il mio "frutto proibito" e'....l'uomo sbagliato per me.......l'uomo "inaffidabile"....perché troppo giovane,o troppo sposato,o troppo lontano,o troppo impegnato con il lavoro......insomma un uomo che non c'e'....per me...
altrimenti il mio frutto proibito in quanto tale....e' l'ananas.....mi piace talmente tanto che da quanta ne mangio poi alla fine sto male perché esagero!!!!
° ciliege..ciliegine....ciliegione buon lavoro ...ciao
° Sai qual è il frutto proibito? IL VIVERE SENZA COLPA. Ci sono arrivata dopo tante riflessioni inutili. Solo ora ho avuto come una folgorazione.
° solo per oggi ....la pesca
° E' questo il nostro proibito: non vivere intensamente ogni atto creativo!
° il mio desiderio proibito è di rimanere immobile forse scomparire
° Il mio frutto proibito è sperimentare la pura gioia di sentirmi totalmente completamente amata. Altrettanto proibito saper amare senza condizioni ne aspettative.
° il mio frutto proibito è la morte che potrò gustare intensamente un' unica volta senza immaginarla senza poterla rivivere senza poterla raccontare ma solo preparandomi meglio possibiledulcinea deltoboso
° il frutto della passione
° il frutto proibito credo sia quella cosa che non potrai mai possedere o avere ma che, in realtà si preferisce eternamente struggersi nel desiderarla
° ho infiniti frutti proibiti se per essi intendiamo i desideri profondi in cui penseremmo di sentirci (secondo le nostre proiezioni mentali, ma non é detto che siano effettivamente la nostra realizzazione) pienamente identificati o realizzati: te ne indico alcuni alla rinfusa, alcuni molto prosaici, altri molto ideali, ma ne avrei tantissimi altri ...1) Insegnare all'Università 2) Gestire un potere politico o "organizzativo" 3) praticare sesso per la bellezza in sé del gesto e del donarsi 4) poter leggere il tedesco o il greco 5) essere un alpinista di buon livello 6) essere un monaco zen 7) vivere nella contemplazione in ogni istante della vita quotidiana ordinaria 8) Vivere in modo autentico e assoluto il presente 9) pensare che i miei alunni comprendano e facciano proprie le cose più belle che spiego ...Cosa proibisce la loro realizzazione? un miliardo di cose, dalla propria struttura fisica alla propria formazione mentale, alle esperienze passate, al rispetto per la dignità e la personalità degli altri, al lavoro, alle distanze ...
° non esistono frutti proibiti
° le ciliegie, le amarene, i mirtilli…
° realizzare me stesso, pienamente
° proibito? L’anguria
° il mio frutto proibito e la banana.
° Il frutto proibito è la mela!
° Da piccolo, nella dolce immagine della non ragione degli adulti, giocavo con gli alberi. Ogni tardo pomeriggio, dopo aver esaurito le mie giovani energie con gli amici del clan, avveniva la magia. Venivo richiamato da un magnetismo ondulare che mi portava a salire una stradina sterrata e mi inoltravo, da solo, nannolato di piacere da questo mio segreto mondo sconosciuto, in un campo incustodito; selvaggio. Ulivi, ciliegi, erbe, un´immensa agave in un lato appartato quasi dentro la nicchia naturale di una roccia di tufo era il quadro che mi apparteneva ogni sera al crepuscolo. Il mio frutto proibito era la resina scoperta sul tronco del ciliegio, che mi appariva come una bolla magica color rame nel cui interno custodiva insetti fermi nella loro bellezza eterna. È un´immagine segreta e intima che non avevo ancora rivelato a nessuno. A.P.

Labirinto in gioco, arte voce della natura

2008-06-15T14:00:00.001+01:00

Erotic/fashion/Apple di Mandra Cerrone

Labirinto in gioco, arte voce della natura
a cura di Antonio PICARIELLO

Ass. Cult. I Colori del Territorio, Spoltore, 2007

Ritorno alla genesi, invece, con il senso puro della seduzione visiva è “erotic fashion apple” nella profonda costruzione interattiva di Mandra Cerrone “installazione composta di tre elementi portanti- Mele con sulla buccia immagini erotiche, assolutamente commestibili. Proseguendo nella ricerca iniziata con le Ostie offro di nuovo del cibo psicomagico; attraverso il simbolismo della mela, reso più esplicito dall’ immagine che veicola, possiamo, mangiandone, integrare il peccato, la colpa, le proibizioni. “il giardino dell’Eden” testo tratto da “la malattia la trappola dell’eros” di Gabriella Mereu Lo esporrò perché secondo me, rileva perfettamente la fine differenza tra bene e male, (Eros e Lucifero) Un, ”urna” (potrebbe essere un bozzolo in cartapesta dorata).In cambio della mela invito i visitatori a rivelarmi in forma anonima il loro “frutto proibito” attraverso bigliettini predisposti da inserire nell’urna; pensavo a un bozzolo perché è possibile che si trasformino … non so, in farfalle... E’ un gioco, labirintico. Ho creduto di essere Arianna sull’isola deserta. Cambiando punto di vista divento Dedalo“…noi dobbiamo soltanto seguire il filo svolto dall’eroe. E dove avevamo creduto di trovare un mostro troveremo un dio, dove avevamo previsto di uccidere ci uccideremo, dove credevamo di dover proseguire, troveremo il centro della nostra esistenza, dove avevamo creduto d’essere soli troveremo tutta l’umanità”.

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Sepolcro Artistico, seconda edizione

2008-06-14T09:15:00.000+01:00

SEPOLCRO ARTISTICO EDIZIONE 2008
Mostra d’Arte Contemporanea

“Se potessimo attraversare età, storie, sogni e possibilità e tornare di nuovo qui per ritrovarci?Celebreremo insieme una festa della nostra anima, passata attraverso ogni cosa e ritrovata più bella, perché più grande, come quella dell’Umanità”.

a cura di Antonio Zimarino

Opere di Mandra Cerrone

Penne (PE)

Chiesa di San Giovanni Battista delle Gerosolimitanedal

18 marzo al 1 aprile 2008

Sepolcro Artistico, ed 2008

2008-06-14T08:08:00.000+01:00

Se potessimo attraversare età, storie, sogni e possibilità e tornare di nuovo qui per ritrovarci?
Celebreremo insieme una festa della nostra anima, passata attraverso ogni cosa e ritrovata più bella, perché più grande, come quella dell’Umanità.
a cura di Antongiulio Zimarino

Le possibilità dell’immaginazione

L’immaginazione ci fa viaggiare attraverso il tempo e lo spazio ed è per questo che essa diventa virtù (o desiderio) per tutti coloro che non si accontentano mai troppo di quello che sono le circostanze.
Ovviamente l’“immaginare” può essere un modo di fuggire e di evitare qualcosa, ma può anche essere considerato più correttamente come una modalità di conoscere, ragionare e indagare, a partire dalle cose reali, spingendosi verso quelle possibili e ipotetiche. In fondo l’immaginazione consente di rendere visibile e condivisibile con gli altri, un percorso (analitico, mentale, analogico ecc.) svolto dentro possibilità, probabilità, ipotesi e variabili. L’immaginazione fa percorrere luoghi possibili, offrendo situazioni e sensi interpretativi verosimili e probabili: è la struttura espressiva del possibile, quindi probabilmente, il miglior strumento per vivere sensatamente, perché sa continuamente andare dentro e attraverso le coordinate certe della realtà., al di là del tempo e dello spazio. Immaginare ( e con immaginare non intendo la facoltà astratta del pensare, ma la capacità di restituire in forma concreta, un processo di relazioni mentali) è in fondo, il modo per dare corpo a delle nuove possibilità di capire e di interpretare.
C’è una cosa che ultimamente mi fa molto riflettere riguardo l’immaginazione: essa mi appare sostanzialmente inutile se non cerca di restituirsi alla relazione con gli altri. Se non ha la possibilità di essere condivisa, mostrata, discussa, contemplata ed espressa, (come ogni cosa che nasca in noi) , essa non è, oppure diventa una forma di alienazione. Per cui comincio a credere che positivamente, costruttivamente, l’immaginazione vive solo della possibilità e della speranza che possa essere mostrata e condivisa.
Lo sforzo dell’artista (ma credo che sia comunque il desiderio di ciascun essere umano) è quello di partecipare gli altri di un proprio mondo, sperando così di vederlo “abitato” da altri pensieri e altre relazioni che lo possano ancora formare e riformare, lo possano definire e precisare sempre meglio.. Per questo le opere dell’immaginazione “vanno esposte”, per questo un sentimento viene espresso, per questo una idea viene partecipata, perché si vuol capire la sua sensatezza e la sua probabilità di spiegare. “Esporre” vuol dire “dare” e condividere il frutto del proprio immaginare agli altri, dare il profilo della propria interiorità e identità. Non è facile farlo: delle volte non si ha la possibilità di esprimere l’esatta identità di ciò che si è pensato, altre volte non è facile essere compresi ma per lo più accade che siano veramente pochi coloro che si prendono la briga di provare a capire. Insomma lavorando ed esprimendo l’immaginazione, ci si mette in gioco rischiando di scoprire che il proprio gioco dell’immaginare, non interessi o non esprima. Ma non si può non farlo, perché non si riesce a pensare di “non trovare senso” e ragioni a ciò che di più bello e più puro si sente di essere”dentro”.
Il significato del “sepolcro”
Mi si perdoni, ma questa riflessione sull’immaginazione per me ha profondamente a che fare con quella che è la tradizione cristiana del cosiddetto “sepolcro” implicata evidentemente in questa mostra che presentiamo. In quel tempo sospeso che intercorre tra la Passione e la Resurrezione, la tradizione cristiana espone (in forma di contemporanea “installazione”) le “coordinate (i simboli) di un processo mistico” che si va misteriosamente compiendo. Ovviamente per il cristiano è un processo quotidiano che si dà nel mistero Eucaristico ma che durante il tempo della Pasqua, trova evidenza pubblica e celebrativa.
Il “sepolcro” è una sospensione mistica ed esistenziale, una proposta di riflessione eucaristica, uno spazio-tempo rallentato, carico allo stesso tempo di nostalgie (ricordiamo l’epica vita di Cristo) e di possibilità (attendiamo il tempo della dichiarazione del miracolo della Resurrezione).
La tradizione popolare chiama questa “installazione – ostensione”, “sepolcro”, esprimendo semplicisticamente solo l’idea di qualcosa che “conclude” qualcosa che è stato; ma il termine latino “monumentum” (utilizzato nelle passate tradizioni liturgiche) [1] ha ben altri significati: “ricordo” “memoria” o anche “atto commemorativo”, “documento”, “memoriale”. Dunque l’accezione concettuale del “sepolcro” è ben altra: il “sepolcro / monumentum” è la rappresentazione del tempo sospeso, il tempo della possibilità, l’intervallo inatteso tra ciò che è stato e ciò che potrebbe essere. E’ quello spazio di tempo nel quale tocca a ciascuno chiedersi che senso ha, ha avuto e potrebbe avere quella “storia terrena” di Gesù, conclusasi con una enigmatica tragedia, rispetto alla “possibilità” che essa apra ad una vita differente, diversa, nuova, ovvero, ad una “resurrezione” in cui quel “prima” ritorna ad essere il “senso possibile” escatologicamente compiuto dell’”adesso”.
Lettura e interpretazione
Veniamo ora ad analizzare il senso del lavoro “d’immagine” che Mandra Cerrone ha costruito all’interno di questa “logica”: Le immagini installative [2] nella bellissima Chiesa di S.Giovanni Battista in Penne, esprimono benissimo tanto il “senso dell’immaginazione” prima delineato, quanto l’idea di “monumentum” espressa dalla tradizione del “sepolcro”. L’insieme di immagini realizza un “hortus conclusus”, un “campo di forze” spazio temporali che hanno come obiettivo, l’ostensione di una dimensione (secondo me) bellissima dell’interiorità umana: quella dell’Anima. Provo a spiegare perché.
Nei grandi spazi delle pale d’altare, alcune immagini rappresentano delle “relazioni” umane, accadute o possibili nel futuro e nel passato. Queste immagini fotografiche, (che sono “necessariamente” pensate e costruite come “barocche” per fonderle nel “campo di senso” delineato dalla splendida architettura della Chiesa) hanno diverse caratterizzazioni: la prima è “realistica” (a colori), centrale anche “concettualmente”, legata ad un “presente”; la seconda è chiaramente “astrattiva” nei pannelli laterali in bianco e nero che suggeriscono delle ipotesi di relazioni tra i personaggi, nella logica dell’ “essere stati” e di un “potrebbe essere”. Suggeriscono così apertamente un “campo di riflessione” semantica inerente gli attraversamenti e l’intreccio di diverse dimensioni spaziotemporali.
Le immagini hanno ancora altre caratteristiche singolari che riportano al tema del “Tempo e dello spazio illimitato”: 1) esprimono una fusione “simbiotica” tra rigogliosi elementi naturali (alberi, acqua, fronde) e elementi architettonici culturali, sottolineando l’“unità” sostanziale di Natura e Cultura, coordinate entro cui evidentemente vanno lette e pensate le relazioni dei personaggi e la loro esistenza.
2) Queste immagini così fortemente simbolizzate, sono ambientate nello stesso scenario della Chiesa che le ospita e per questo, strettamente legate concettualmente ed evidentemente, allo spazio-tempo reale dei suoi fruitori, cioè, nel “presente”.
Il fatto che una immagine fortemente simbolizzata a livello spaziotemporale, rappresenti lo stesso luogo che la ospita, sottintende la volontà da parte dell’artista di generare attraverso queste “ipotesi immaginali” una disfunzione temporale del presente. Esse creano così un evidente “cortocircuito” spazio temporale, che viene accentuato e caratterizzato ulteriormente dai personaggi rappresentati, gli stessi ma con età diverse e con relazioni interpersonali diverse.
Ne viene fuori un “effetto di loop”, una sorta di sospensione ciclica di relazioni e rimandi visuali nella quale, coscienti del presente, siamo indotti (dalla stessa collocazione “ostensoria” della pala d’altare) a riflettere sulle variabili infinite delle possibilità di accadimento che ci sono state o ci potrebbero essere. Si apre così una spazio temporalità indefinita, la stessa possibile normalmente nell’interiorità: siamo portati a pensare ad un passato o a prefigurarci un futuro, a leggere gli effetti di una relazione che è stata, è o potrebbe essere; veniamo invitati a ricostruire i legami emotivi di una “narrazione” che attraversa virtualmente il tempo nello stesso luogo e nello stesso tempo in cui le stiamo guardando. Siamo cioè spinti a cercare il senso affettivo possibile che lega i personaggi, dentro uno spaccato diacronico dentro un “tempo esteso” reso dall’ambientazione, dalla cura formale, dalla densità dei simboli e dalla loro possibilità di generare senso nella relazione reciproca. Siamo cioè costretti (se vogliamo stare al gioco dell’immaginazione) a percorrere osservando, qui e ora, un tempo che non c’è o che potrebbe esserci stato, un tempo sospeso, ricordando supponendo ipoteticamente sviluppi e connessioni.
Cos’è questo, se non il tempo dell’Anima? Dunque il lavoro di Mandra diventa l’ostensione, il “monumentum” di un “presente” che resta tale pur mostrandosi nella dinamica indefinita dell’Anima che sa percorrere eternamente il senso degli eventi e delle possibilità.
...
Spero che anche il “titolo narrativo” che abbiamo elaborato acquisti suo senso più chiaro: fare una esperienza d’arte può significare fare un’esperienza d’anima, non solo di freddo intelletto o di morbosa curiosità. Ma perché questo accada, ci vuole il coraggio di entrare nelle connessioni delle “possibilità” e quindi “perdersi” nella complessità suggerita, quel tempo necessario per ricombinare le possibilità espressive dei segnali complessi che l’opera ci manda.
Questa operazione diventa una sorta di “catarsi”, una “festa”, e mi si passi il paragone, una “resurrezione” dell’anima stessa. Infatti, l’accettazione del gioco di decodifica dell’immaginazione non ci ridurrà a guardare le cose tentando di incasellarle a forza nelle categorie che ci siamo formati per l’identificazione facile [3]. Il problema dell’arte sperimentale contemporanea è che la guardiamo tentando di farla rientrare nelle categorie che possediamo, tentiamo di “normalizzarla” riconducendola al “già visto” al già detto. L’operazione non è in se stessa negativa a condizione che venga condotta valutando con discernimento le relazioni di “senso” che le forme dell’arte mettono in atto. E’ estremamente negativa quando ci accontentiamo dell’apparenza: ed è estremamente negativa la stessa arte contemporanea, quando si fonda sulla spettacolarità dell’apparenza, quando non è in grado o non sa far altro che offrire di sé, una “notabilità” che non si conferma da nessuna possibilità di lettura complessa.
Se dunque l’arte ci suggerisce la “complessità” dei suoi sensi interpretativi [4] essa favorisce la “resurrezione” dell’anima che è chiamata a coglierli. Attiva cioè un’insieme di “operazioni percettive” e “intellettive” che vengono organizzate emotivamente, esteticamente ed intellettualmente.
L’arte contemporanea in una sua autentica dimensione di “ricerca della sensatezza” può consentirci di ricomprendere e ripercorrere per via estetica, intellettuale o analogica, alcune delle possibilità significative che la vita ci offre e così facendo ci aiuterà a ricostruire la nostra sensibilità interiore, la nostra capacità di comprensione e relazione delle faccende misteriose dell’umanità.
...
[1] Il termine latino “sepulcrum” è esplicitamente utilizzato per “tomba” mentre l’esposizione dei simboli della passione e dell’ostensorio vuoto della tradizione cristiana rimanda chiaramente alle implicazioni semantiche del “monumentum” che pur potendo tradurre ugualmente la parola “sepolcro”, esprime meglio l’idea di “memento” implicita nella tradizione stessa.
[2] Pensate quindi non come realtà concluse, ma nella relazione complessa con lo spazio
[3] … e prendere atteggiamenti di supponenza ogni qual volta non abbiamo il coraggio di “faticare” intellettualmente per darsi un senso possibile al visibile.
[4] Non intendiamo ovviamente la “cerebralità” retorica ma la densità speculativa del “campo semantico” che essa costruisce che può darsi anche nell’estrema semplicità.

2008-06-14T07:13:00.000+01:00

foto pierolullo@yahoo.it

2008-05-22T14:38:00.000Z

L’IMMAGINAZIONE AL POTERE / IL POTERE DELL’IMMAGINAZIONE
21 giugno 2008
Angelus Novus (L’Aquila Via Sassa 15)
Inaugurazione mostra intergenerazionale d’arte contemporanea di Artisti Abruzzesi e Molisani
liberamente ispirata al Maggio del ’68 (a cura di Antonio Gasbarrini e Antonio Picariello)

le nostre mani d'oro

2008-05-21T11:56:00.000Z

per SAMNIUM FLUXUS

MUSEO INTERNAZIONALE DELLA MICROARTE

a cura di Lino Alviani

CANTI DI PROTESTA Le nostre mani sono d’oro perché senza giudizio. Le nostre mani d’oro attraversano l’inferno convertendolo in luce, a volte. Le nostre mani: sono d’oro per tatto e contatto maschile e femminile animale e spirituale Nelle mani abilità dell’anima; se sono d’oro possono creare tutto, un universo completo. Le mani d’oro non piacciono ai Presidenti, insospettiscono i Politici, indispettiscono chi non le può comprare ne rubare, spina nel fianco alla mediocrità … Le nostre mani d’oro non hanno nulla da chiedere e molto da dare, a chi ne volesse … (Dio sa sempre dove colpire)
M C

foto, elaborazione digitale, stampa digitale

Il Rosso

2007-12-24T16:07:00.001Z

Il “rosso” come colore: dalla Eat Art alla Drink Art

Riflessione sulla filosofia spoerriana e beuysiana

a cura di Ivan D’Alberto
Il termine enogastronomia pare essere diventato il lemma più usato nella società abruzzese; regione che vanta partecipazioni di alto livello a fiere alimentari di stampo nazionale, europeo ed internazionale. Ma l’Abruzzo è davvero solo terra dei parchi, dei piatti tipici e del corposo Montepulciano?A quanto pare si! Ma si vuol ben sperare che tutto ciò possa subire, prima o poi, un’evoluzione e immaginare un turista deliziarsi, oltre che di un buon bicchiere di vino rosso e di uno speziato formaggio, anche di qualcos’altro.Nell’attesa che il “miracolo” si avveri si è pensato di escogitare un “singolare gioco” che mette insieme l’espressione artistica contemporanea con un prodotto tipico della nostra terra.Se è così difficile apprezzare l’arte contemporanea e, invece, è molto più facile “tuffarsi” tra le leccornie alimentari, perché non usare il cibo e le bevande per dare vita a delle opere d’arte?Perché non pensare al cibo, alle evenienze del quotidiano e, perché no, al vino rosso come strumenti per l’arte, sublimati in qualcosa di affascinante; qualcosa che metta in mostra la rottura con il passato, con lo scopo di avvicinare il pubblico alle nuove forme espressive, pur all’interno delle dinamiche tipiche di una struttura museale?Quello che si propone nelle sale espositive del Museo e Archivio degli Artisti Abruzzesi Contemporanei (MAAAC), sito all’interno del Castello medievale di Nocciano, è una performance plurisensoriale in cui, oltre al senso della vista, si può coinvolgere anche quello dell’olfatto e del gusto in una dimensione creativa, attraverso un evento che intende promuovere una realtà espressiva e comunicativa, finalizzata all’integrazione, alla solidarietà e alla ricerca della globalità dei linguaggi. L’arte acquisisce, in questo modo, maggiore vitalità e ogni esperienza estetica è vissuta come esperienza di vita, come forma di connubio tra arte e vita.Il progetto il “rosso” come colore: dalla Eat Art alla Drink Art prevede il coinvolgimento di 9 artisti abruzzesi quali Luciano Appignani, Mandra Cerrone, Angelo Colangelo, Mario Costantini, Enzo De Leonibus, Stefania Di Bussolo, Enio D’Incecco, Luigia Maggiore e Fabrizio Tridenti, impegnati nella realizzazione di un’opera, una installazione o una performance realizzata con il vino, proveniente da 9 cantine vinicole appartenenti all’Associazione “Vignaioli in Abruzzo”; il prodotto finale sarà un’opera d’arte a tutti gli effetti che svilupperà e stimolerà i nostri sensi. Il risultato vedrà immagini, installazioni e forme espressive di ogni genere, le quali trasformerannola fruizione in un percorso e in una scoperta, in una ritualità dell’assaporare, dell’odorare, opere che chiederanno di essere addirittura “bevute”.È questa la sinergia interattiva tra l’arte ed ogni altra forma di creatività umana, e questa è la volontà espressa nella rassegna espositiva, Il “rosso” come colore: dalla Eat Art alla Drink Art che con giusta follia esprime un singolare “progetto di comunicazione artistico-creativa plurisensoriale”. Una forma espressiva determinata da un mondo sempre alla ricerca di un linguaggio innovativo, volutamente provocatorio e rivoluzionario, che sembra essere la naturaleconseguenza di ciò che illustri predecessori, Daniel Spoerri, Joseph Beuys e in qualche modo Piero Manzoni, già dagli anni Settanta, hanno fatto con la Eat Art realizzando installazioni create con materiali commestibili.Questo il motivo per cui si da vita ad una rassegna che abbia un inizio (le ricerche espressive di personaggi come Spoerri e Beuys attraverso riflessioni sulla loro filosofia) e un seguito con i 9 artisti abruzzesi chiamati a partecipare ad una sperimentazione artistica, che non appartiene direttamente al proprio percorso creativo, la quale rende protagonista un prodotto tipico della nostra terra: il vino Montepulciano.

Divinazioni

2007-12-24T16:00:00.001Z

(contenitore in plexiglass cm 170x170, vino rosso, videocamera, videoproiettore, azioni divinatorie dei visitatori)
Il “rosso” come colore: dalla Eat Art alla Drink Art
Riflessione e interpretazione della filosofia “beuyseiana” e “spoerriana”
a cura di Ivan D'Alberto,
MAAAC, 25 novembre 2007

frame video

2007-10-10T12:22:00.000Z

A partire dal pensiero - video

2007-10-05T13:31:00.000Z

Il critico d'arte Antongiulio Zimarino presenta la mostra "a partire dal pensiero".
Artisti: Mandra Cerrone, Angelo Colangelo, Franco Fiorillo
spazio HUB, palazzo Ferrini, PE

A partire dal pensiero - A. Zimarino

2007-10-05T13:04:00.001Z

A PARTIRE DAL PENSIERO
di Antongiulio Zimarino

Se la parola e la comunicazione finalizzata alla promozione possono essere anche strumenti per far si che il pensiero e l’ideazione non riescano a liberare completamente le potenzialità delle loro implicazioni, è solo ritornando al rapporto diretto con l’opera e ad un pensare che da essa scaturisca, che si può restituire una funzione realmente culturale, tanto all’arte quanto alle idee che essa può rigenerare.
L’artista cerca di mostrare e scoprire tra le cose quell’anello che lega o disgiunge dei possibili percorsi di Senso; mentre costruisce, attende che il costruire rilasci o produca l’istante in cui, oltre l’aspetto logico di una costruzione visiva o concettuale, l’osservatore si trovi proiettato a proporre delle ipotesi di comprensione in una dimensione non semplicemente logica ma, potremmo dire, estetica o anche, per che no, estatica.
La costruzione immaginale dell’ arte contemporanea sembra avere molte potenzialità ma non sempre chiaramente intese: è strumento “d’arte” nel senso più classico possibile perché consente (anche nel suo organizzarsi in video) di superare le necessità delle conseguenze logico narrative della struttura cinematografica per diventare non “racconto dell’accaduto” ma “esperienza del presente”. Essa può mettere insieme stimoli che appartengono storicamente e culturalmente alla percezione della pittura, con altri che appartengono ad altri campi mentali, percettivi e sensoriali (udito, intelletto, mobilità visiva) generando ulteriori possibilità interpretative attraverso relazione sinestetiche amplissime. Al di là delle qualità del “mezzo” è sempre il “come”, il “progetto”, la “cultura” che usa il mezzo a fare di esso lo strumento prezioso per aprire comprensioni in senso “orizzontale” del proprio mondo e in senso “verticale”, nella profodità del nostro tentativo di essere e di definirci.
Ma a quale scopo? Per lo scopo di sempre dell’arte: costruire un “luogo percettivo” dove si possa essere “presi dentro” e nel quale si può accedere attraverso le strade dell’intelligenza e della sensibilità.
La migliore video arte, ma la migliore arte in genere, ha la necessità di completare e fondere in una cosa sola, in un opera – pretesto, i nostri modi di conoscere ed esperire l’esperienza della realtà: il nostro essere autenticamente umani fa si che di essa ne comprendiamo poi una possibilità di senso, attraverso modalità logiche o analogiche. Molti problemi legati alla comprensione dell’arte stanno nel fatto che tendiamo a raggiungerla per una sola di queste vie, mentre invece essa è identitariamente e costitutivamente “entrambe le vie”.
Da queste immagini, che sono poi state anche tradotte in video, ho re – imparato queste cose, perché tutti mi sono risuonati nell’immaginario come “prodotti di una logica” cioè, di un progetto espressivo e riflessivo, ma tutti contengono un passaggio “oltre la logica” perché nel loro realizzarsi spingono necessariamente l’osservatore ad un approccio analogico. Ho nuovamente compreso che l’opera è “altro da sé” cioè, non è semplicemente quello che l’autore progetta o ha idea che sia, ma quando viene da lui “data” ad un pubblico, diventa ciò che l’altro sente che sia per lui e qualcosa allo stesso tempo di analogo e differente per ciascuno.
Credo che la vera efficacia dell’arte sia nel fatto che l’artista dona qualcosa a me, vuole condividere con me il “suo senso” e che esso può diventare davvero anche mio quando la stessa progettualità dell’artista lavora non sull’affermazione e la definizione ma sulla possibilità delle definizioni. Insomma che posso parlare di arte se l’opera può diventare qualcosa in cui anche io ho un ruolo, anche la mia intelligenza logica / analogica è chiamata a svolgere un ruolo costruttivo.

Mandra Cerrone – Denaro Santo
Il denaro non è solo ciò che è ma è anche tutto l’immaginario che ad esso è legato. E’ una cosa “sporca” per le implicazioni negative del suo uso, per i furori che può suscitare, per il suo essere associato con il potere, le fortune, le crisi, le disgrazie. Distrugge, certamente, ma può essere anche possibilità di riscatto, di libertà, indipendenza, di giustizia, possibilità di cambiare le sorti, le fortune in terra, possibilità di una dignità, possibilità di vivere, di dare serenità ecc. Il potere del denaro non si dà in sé, ma è esattamente quello che noi riteniamo di dargli, simbolicamente e realmente parlando; il suo “uso” si qualifica in base al tipo di relazione che intendiamo costruire e sviluppare con esso: il denaro prende la strada che gli diamo e assume il ruolo che gli attribuiamo, esprime il nostro orizzonte esistenziale e relazionale.
Il gesto simbolico di “lavarlo” apre un orizzonte di senso differente: lo “libera” dalla sua storia negativa e lo può far diventare strumento di abbondanza, di felicità distribuita e condivisa. Il denaro può tornare ad essere ciò che noi vogliamo sia, attraverso una “scelta”, un gesto concreto che cambi il nostro rapporto con esso. E dopo questo gesto, quale diventerà il nostro modo per rendere santo il denaro? Come faremo noi che guardiamo ed entriamo nei senso metaforico dell’opera, a farlo diventare strumento di giustizia e di libertà reciproca e non strumento di discriminazione o abbrutimento?

E così, tra analisi visive, incroci di metafore, sinestesie visuali e concettuali ritorniamo a guardare in faccia il fatto che l’arte è qualcosa di ben diverso da altri “prodotti”, anche se è facile trattarla come se fosse una lattina qualsiasi. Ma giocando intorno ad una frase del Tao Te Ching potremmo dire che dell’arte possiamo farne o dirne qualsiasi cosa, ma se la scopriamo capace di contenere la vastità delle possibilità, se il suo porsi allo sguardo apre uno o più spazi di senso da percorrere, essa diventa qualcosa che può anche “contenerci” e raccoglierci, aiutandoci così a ricordare di non accontentarsi di un’esistenza che disperde e disorienta. Ripartiamo quindi a pensare in autonomia liberi e coscienti che sia necessario ricercare un senso.

“Noi con l’argilla fabbrichiamo un vaso, ma è il vuoto all’interno che contiene quello che vogliamo”

IL grido di guerriglia dell’arte

2007-10-03T09:10:00.001Z

NARCISSUS

ANGELO
quadri animati in Director, Macromedia - Videoproiezioni, anno 2003-4

IL grido di guerriglia dell’arte
a cura di Antonio PICARIELLO
Ass. Cult. I Colori del Territorio, Spoltore, 2006
“Una cosa è certa: quando si vuole conoscere un argomento non si può prescindere ovviamente dalle informazioni che lo riguardano, ma essere in possesso di molte informazioni su un argomento non significa necessariamente conoscerlo a fondo.[…] Detto altrimenti, per il progresso della conoscenza ciò che importa non è tanto l’accumulo di informazione, bensì il processo che consente la sua produzione (e riproduzione) individuale e sociale. Per riassumere: l’informazione è un ovvio presupposto del sapere, ma essa diventa sapere solo, e soltanto quando, viene metabolizzata, ossia, quando s’inserisce, a livello individuale e sociale, in un quadro di credenze e di valori…” Tomas MaldonadoLe ontologie sono strumenti per la mappatura semantica di un dominio di conoscenza.Attraverso una descrizione formale di concetti classificati, e di relazioni tra queste classi, si organizzano tentativi definitori per le connessioni tra gli “oggetti” interessati ad esprimere la descrizione di una parte di mondo qualitativamente coerente. Chi “studia” le ontologie,dunque, ha lo scopo di ottimizzare i processi di condivisione della conoscenza. Questa area di ricerca è ossessionata dalla moltitudine dei campi applicativi ad essa legati. Sono varietà distribuite e espanse verso la spiritualità delle macchine o dei sistemi di produzione del “software”. Si tratta di navigazione e del reperimento dell’ossatura dei “documenti”. La visionarietà figurativa di questo ambiente mentale, il nostro, contemporaneo, seleziona modelli individuali e poetiche che ogni soggettività veicola con la propria vita, sociale e di pensiero, per un fine che di solito chiamiamo conoscenza. La ricerca, dunque, si rivolge ai “modelli” che la caratterizzano e la rendono entità assoluta. A maggior ragione quando si parla di arte, inevitabilmente bisogna ricondursi all’oggetto della sua produzione, all’entità che la tiene in vita e la traduce in pensiero e in “assorbimento” del bello, inteso nelle sue diversificate qualità esistenziali, o capacità rilevabili dalle soggettività appartenenti al cosmo della produzione artistica attivata coscientemente per la costruzione esistenziale collettiva. Si tratta di “fagocitazione” del bello, ( di cui, qui, alcuni artisti manifestano la propria specifica ricerca) recepito, ripeto, nelle sue diversificate ontologie di presentazione. Il bello, inteso come diderottiana memoria che diventa cibo, pasto, nutrimento per la crescita dei corpi mentali e dello spirito profondo. Diventa comportamento e a volte, oltrepassando i segni di una stanca sociologia, si riappropria della propria naturalezza etologica e etnica. Ecco dunque apparire l’entità ontologica dell’ artista che si presenta al mondo come valore esclusivo addetto alla “produzione alimentare” dei prodotti visivi e concettuali. Artista come costruttore di ramificazioni sinapsidali capaci di qualificare la presa di coscienza della cultura collettiva. Artista come alchemico conoscitore dei processi istintivi che sono alla base della magia progettuale e che veicola, nella sua realizzazione ideologica, l’organizzazione codificata del linguaggio silenzioso della creatività. Artista, dunque, come produttore di opere che trovano vitalità e onde di senso nel sistema ambientale delle riflessioni intese nelle polisemiche accezioni terminologiche, la cui “meraviglia” gode , anche nella contemporaneità, di un livello gerarchico molto privilegiato. Ma questo mesocosmo dell’arte è recepito solo dalle società tendenzialmente vocate alle finalità “eugenetiche” del corpo collettivo. È il linguaggio organizzato per la sottile percettibilità della qualità del bello mentale e sensitivo e capace di tradurre il mondo sensibile delle idee, in materia percepibile. Ecco l’artista, qualificato sciamano dell’incoscio collettivo creatore di percezioni votate al salubre nutrimento per la mente collegiale, direzionata verso il benessere evolutivo. Si tratta di società che abitano il mondo della visone endogena, tanto per riproporre una marcata filosofia concreta sfoderata da Fosco Maraini, e praticata, realizzandola, da Tiziano Terzano quando decide, con lucida programmazione terminale, di dare all’umanità un mezzo per sfidare la mitologia della morte attraverso il senso applicato del pensiero scritto durante il processo obbligatorio della dissoluzione fisica. Questo è quanto fa anche l’artista con le opere visive che si presentano a Spoltore. Realizza linguaggi che diventano gridi di guerriglia dentro il ventre catastrofico della progettualità invasiva e la bramosia virale del cemento sull’ambiente naturale. Il grido attraverso i segni di terra, che rivendicano nuove energie mentali e nutrimenti per rinascere In una giovane carica di fremiti definibili come “BioArte”. Qui l’artista promuove la metafora mitologica di signora del miele centralizzata nel luogo oscuro del labirinto comunitario attivata nella funzione di sorgente emanante del mondo sensibile, donato, ripeto, attraverso le opere, al mondo percettibile e fenomenico che se ne “nutre” e si sostiene. Gli strumenti e i linguaggi che definiscono l’acutezza del senso continuativo e dirompente che qualifica in ogni epoca la propria classe generazionale, differenziano, e concludono in comunità, la mostra collettiva, la personalità e il carattere espressivo di ogni artista presente, chiaramente, nelle magnifiche presentazioni storico e ambientali della città. Così, l’abitudinario comportamentale, lo stesso che l’indifferente storia dell’arte ripropone instancabilmente nelle canonicità delle avanguardie storiche e che riconduce inevitabilmente al sistema sociale elitario contraddistinto dall’ indole per la sperimentazione, qui, nella nostra condizione contemporanea, diventa linguaggio polisemico che si rivolge alla massa rievocando memorie che a volte sono monche di sapere metabolizzato; “incapaci di inserirsi, a livello individuale e sociale, in un quadro di credenze e di valori…”. Ecco il grido di guerriglia, l’allarme, affinché la coscienza collettiva possa adoperarsi per assimilare al massimo grado della qualità che le compete, il rapporto effimero tra tecnica ed espressività facendone una propria valida alimentazione al fine di costruire il corpo organico dell’arte infilato nelle cellule sociali attraverso i condotti amministrativi e le interazioni dei discorsi. Discorsi/parola che qui diventa arma contro l’invasione del brutto e del catastrofico a beneficio del nulla, e di una futura anamnesi che condurrà all’inevitabile memoria del nulla nel nulla. Ecco i segni di terra affiorare come ferite di lotta tra qualità della vita e imposizioni angoscianti, saturnine, che calano dal vuoto e conducono verso il malessere e lo sguardo distorto in una contemporaneità che continua, per ecolalia, a ripetere di proporre rimedi, ma inevitabilmente segue il filone del rotolamento verso la palude oscura della “disfattezza”. Tanto è quanto esplode nella continuità discorsiva di Angelo Colangelo. Tanto è quanto si rivendica nella coerenza dell’espressività artistica che traduce il dolore e la costrizione in monumentale referenza della condizione umana. Tanto è quanto presenta l’oggetto scelto; a volte carne, a volte corpo, a volte immagine fotografica o strumento, ma che sempre veicola il divisionismo mentale esistente tra gli interstizi della fallace comunicazione abituata alla normalità schizofrenica tra il viaggio comune intrapreso dalla impazzita normalità e la normalizzata follia insediata negli aspetti più profondi e occulti delle società contemporanee. “Sono una viaggiatrice senza meta, solitaria, mi appassiono ai percorsi poco battuti. L’immaginazione in azione è energia, è il luogo dell’infinito e dell’eterno che esiste dentro di noi, questo luogo è il fine della ricerca psicosciamanica. La vita sociale, personale e familiare è regolata da schemi, in particolare da schemi legati all’aspetto fisico, all’apparenza; finalizziamo il lavoro all’eliminazione di queste regole per arrivare all’essenza pura, alla disidentificazione totale che libera la vera personalità, che è la divinità, il diamante interiore. La psicomagia è fantastica (la conosci già)”. Così dalle maglie sottili del pensiero etnico cileno di Alejandro Jodorowsky, Mandra Cerrone partorisce Narcissus e Angelo per i muri estivi di Spoltore. Le immagini entrano nelle microparticelle delle pareti, si riflettono tra le speculazioni dei pieni e dei vuoti e si innamorano di se stesse. L’atto performatizzato della fagocitazione del corpo dei sapienti trasmuta in atto vero dell’ingerimento del simbolo, e dal simbolo al mito il passo è breve. Se questo è vero altrettanta verità veicola il suo contrario; il mito entra nella catalogazione cinematografica, subliminale, dei simboli.
...Ecco, in conclusione, la sintesi della nostra condizione contemporanea, di spettatori messi di fronte alla consapevolezza di un sistema che ci impone a valanga informazioni che ogni giorno ci riversano addosso e che costruisce la nostra silenziosa reazione di crescente disinteresse, e persino fastidio ad un mondo che ci frantuma e ci invade con le troppe informazioni che non sappiamo neanche cosa farcene. Un mondo che dimentica spesso che, in definitiva, siamo animali molto selettivi, non prestiamo attenzione indistintamente a
tutte le cose, bensì soltanto a quelle che rispondono alle nostre aspettative. È fin troppo evidente che siamo poco ricettivi, e persino insofferenti, nei confronti di messaggi che non sono, in alcun modo, legati alla sfera dei nostri quotidiani interessi, pulsioni o speranze. A ciò si deve aggiungere, che la nostra attenzione, anche per le cose che ci riguardano, è in generale di breve durata. Siamo incostanti, volubili, svagati, e non ci piace soffermarci troppo su un argomento. Ecco perché la ridondanza, il tornare, con insistenza, sullo stesso tema ci annoia. Piaccia o meno, questa è la umana conditio”. E da qui, al senso di questa manifestazione, il passo è breve. In fin dei conti si tratta di un documento di volontà dell’arte per far prendere coscienza sociale e risvegliare l’inconscio collettivo al desiderio di protezione e difesa della propria memoria e della qualità visiva e comportamentale nella vita dei luoghi abitati. Si tratta di uscire fuori dal torpore abitudinario dell’invasiva quotidiana informazione per riprendersi e recuperare i nostri “frattali di memoria collettiva” che qui si organizzano nella grana della voce dell’arte della natura e della città per dirci semplicemente
Segni di Terra, “Bellavista, ultima, lucidissima irriducibile”. Nient’altro.

ORO

2007-10-03T09:10:00.000Z

Mandra Cerrone - Silvia Pennese

ORO - Area E-spò - Spoltore
Mostra raffinata, rarefatta, poetica, nella quale tantissimi elementi, dal multimediale all’installazione si compenetrano per un effetto estetico che riesce a penetrare nell’osservatore. I bellissimi spazi di AreaEspo’ arricchiscono di suggestione una mostra intelligente nei suoi temi speculativi e ricca di molti stimoli: rimane negli occhi un bagliore aureo che si incrocia con penombre delicate e video installazioni non invadenti. Il tema cardine è per Mandra, l’assimilazione delle identità attraverso il cibarsi di immagini simboliche stampigliate su ostie: si può scegliere di assimilare tanti modi di essere del nostro tempo e questo è un modo per dichiarare a se stessi “da che parte si è” che vita si crede importante. Inutile ricordare il senso religioso profondissimo legato alla nostra tradizione cristiana. Una serie di diapositive/video ripercorrono le immagini chiave della stessa mostra che si sta vedendo mentre un altro schermo ci ripropone il rituale sciamanico della scelta e dell’assimilazione di identità che avviene attraverso il cibarsi dell’immmagine. Silvia Pennese propone piccoli angoli dove sono raccolti oggetti resi “aurei” cioè collocati dal “colore” più irreale nella dimensione della spiritualità assoluta. Le immagini diventano spirito, gli oggetti si pongono in un altrove pur restando reali, la materia svela la sua sostanza spirituale pur restando materia, luce e ritratto. Chiude l’installazione “istanteceleste”: luci ed ombre spingono a decifrare la parola “istante” e da li in poi, cogliamo il valore dell’attimo percettivo e per questo riusciamo nuovamente a cogliere la poesia dell’insieme. Un arte che non grida, ma si intrufola tra le pieghe della sensibilità con lentezza e inesorabilmente fino a farci percepire tutto il resto, anche la relazione con le persone presenti nella stessa dimensione di ciò che gli occhi dell’anima hanno colto. E’ disponibile un bellissimo catalogo cdRom della mostra che è in sostanza, uno dei video proiettati nell’installazione. Sinceramente è una di quelle piccole mostre che riconciliano con l’arte contemporanea: Mandra e Silvia, lavorano perché è la dimensione della propria interiorità che le costringe, per cui si percepisce come lavori del genere nascano da un “essere” più che da una volontà di mostrare, un essere unito però all’intelligenza visiva e alla capacità del dare forma alle proprie suggestioni e al proprio universo immaginale. Sono persone che lavorano nella dimensione che rappresentano ed è forse questa coincidenza tra essere e mostrare che rafforza l’intensità di questo tipo di progetti espositivi. Ne viene che forse è questa la strada per recuperare n sensatezza e una dimensione più socialmente sensate del “fare arte” che non sia esibizione velleitaria ma un percorso per comprendere e comprendersi. E’ paradossale affermare che sia ancora oggi, la poesia attentamente cercata nella sua verità esistenziale a legarci al senso di una esistenza umana solidale

Antongiulio Zimarino

.....

Oro: energia e immaginazione, simboli e metafore, analogie…
I mezzi e gli strumenti dell’artista e dello “sciamano” si intersecano e si sovrappongono in maniera evidente ed innegabile.
Entrambi creano, rappresentano, manipolano la realtà – interiore o visibile – per sé e per gli altri.
La consapevolezza è la qualità principale dell’artista-sciamano che nell’”universo” guida e manipola il sogno – o il segno? – con la creatività, crea dei nuovi sentimenti, esegue un atto poetico consapevole e finalizzato.
Leggere l’arte con occhio “sciamano”, richiede di abbandonare le logiche della storia e della critica dell’arte, significa lasciarsi attraversare dai simboli, sentire analogicamente, rintracciare il desiderio dell’artista che si fa segno, ricercare la Bellezza: entrando nella visione dell’artista se ne svela l’essenza.

Mandra e Silvia, artiste “sciamane”, il cui lavoro confluisce in uno stesso ideale e senso ultimo,
ricreano significati e sentimenti. Usano il simbolo con finalità e consapevolezza, in modo intenso, per “ritrovare l’anima alle cose” e compiere “l’atto fanciullesco di immaginare il mondo”, “animano il mondo e lo restituiscono all’anima” (J. Hillmann).

Tra i simboli e le analogie che ritroviamo nelle opere di Mandra:
Le “Ostie”, cibo spirituale, in questo caso ad uso “psicomagico”, riecheggiano e suggeriscono riti – momenti magici e di catarsi. Il rito suggerito metaforicamente realizza una pulsione dell’inconscio, che altro non è che una necessità dell’anima. Mangiando l’immagine della realtà ne assimiliamo l’essenza.
“La città degli uomini d’oro”: opera di sacralizzazione delle relazioni umane e familiari, che si estendono fino alle più profonde radici dell’umanità. L’artista rintraccia nella fisiognomica la divinità che lo abita. La dimensione umana – quotidiana, banale – si proietta in dimensione mitologica.

Silvia propone, “Istanteceleste”, pone in alternativa la luce e l’ombra, ed in alternanza il cielo e la terra. Istanti che si trasformano subito in codici fatti di forme, luce e colore, ed il significato dell’essere celeste dentro e fuori di noi appare e scompare.
“Contenitore d’oro”, alternanza tra divino e materiale, tra macrocosmo e microcosmo, due sezioni carte e pigmento blu.
“Contenitore creativo”, icona sacra, simbologia che sostituisce la parola.
Gli strumenti dell’artista prendono una dimensione “sacra”, terapeutica, finalizzata a far sperimentare la trasformazione del visibile e del non visibile.
Camilla de Petris

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Quando arte e spazio entrano in simbiosi per determinare piacere
SPOLTORE. “Oro” mostra personale di Mandra Cerrone e Silvia Pennese artiste sciamane innamorate del simbolo Come spesso accade le cose più importanti passano inosservate e, il più delle volte, a deciderlo sono le banconote dentro un portafoglio. Quando alle spalle, infatti, non c’è una struttura come un ente, un’azienda o un importante associazione diventa sempre più difficile pubblicizzare e catalizzare l’attenzione su un evento rispetto ad un altro. Questa volta a pagarne le conseguenze è stata una mostra realizzata a Spoltore presso l’Area E-Spo, organizzata dall’Associazione culturale “I colori del territorio” che si chiuderà il 14 di questo mese. La manifestazione intitolata “Oro” è passata un po’ in sordina ma ha tutte le caratteristiche per essere ricordata come un importante evento culturale. Protagoniste della rassegna le artiste sciamane, Mandra Cerrone e Silvia Pennese le quali, stimolate dal luogo in cui si sono trovate ad operare, hanno realizzato un clima ideale per chi è alla ricerca del piacere e della serenità. L’ambiente espositivo, infatti, è un caratteristico fondaco del centro storico del comune pescarese, composto da piccoli ambienti consecutivi posti su livelli differenti. Luce artificiale, video proiezioni e musiche di sottofondo ricreano una dimensione onirica collocata tra rito e sogno. Ad accoglierti i rassicuranti volti delle due artiste che didatticamente interagiscono con i visitatori i quali, incuriositi, sono accompagnati in una dimensione lontana dalla cultura occidentale. Un opuscolo redatto da Camilla de Petris, conoscitrice anch’essa delle arti sciamane, aiuta la lettura delle singolari composizioni che si muovono dalle più tradizionali installazioni alle inedite ostie alimentari contenenti l’essenza delle immagini impresse. Secondo J. Hillmann «il lavoro di Mandra e Silvia confluisce in uno stesso ideale e senso ultimo; entrambe, infatti, ricreano significati e sentimenti. Usano il simbolo con finalità e consapevolezza, in modo intenso, per ritrovare l’anima alle cose e compiere l’atto fanciullesco di immaginare il mondo. In altre parole, le due artiste animano il mondo e lo restituiscono all’anima». La decisione d’intitolare la rassegna “Oro” nasce dalla presenza di questo elemento nelle opere di entrambe le artiste le quali, colgono dal metallo prezioso energia, immaginazione, simboli, metafore e analogie. Tra i simboli e le analogie di Mandra Cerrone troviamo le “Ostie”: «cibo spirituale che, in questo caso, sono ad uso psicomagico e i quali suggeriscono riti, momenti magici e di catarsi. Il rito suggerito metaforicamente realizza una pulsione dell’inconscio che altro non è che una necessità dell’anima. Mangiando l’immagine della realtà ne assimiliamo l’essenza». Silvia Pennese, invece «propone “Istanteceleste” in cui pone in alternativa la luce e l’ombra, ed in alternanza il cielo e la terra. Istanti che si trasformano subito in codici fatti di forme, luce e colore, ed il significato dell’essere celeste dentro e fuori di noi appare e scompare». Sempre della Pennese è “Contenitore d’oro”, alternanza tra divino e materiale, tra macrocosmo e microcosmo, dove due sezioni di carte e di pigmento blu rappresentano il binomio tra ciò che è e quello che potrebbe essere. La mostra ad ingresso libero può essere visitata fino a venerdì prossimo dalle 17.30 alle 20.30

Ivan D’Alberto

Argento

2007-10-03T09:08:00.000Z

Spoltore Ensamble 2006
TRA CIELO E ALBERI
Attraversare i “non-luoghi” e ricercare la sensatezza
Il titolo indica un “non – luogo”, una zona inesistente nella realtà ma che serve ad indicare l’area simbolica di contatto tra l’elemento etereo e impalpabile con quello concreto delle forme di vita.
Quasi che in quella zona avvenga l’osmosi simbolica (e reale, per la vita stessa delle piante) tra l’elemento che da vita e la vita stessa.
L’idea che sta dietro questa rassegna video è quella di rappresentare una condizione peculiare dell’artista: il suo prendere contatto intimo e interiore con ciò che nutre il suo immaginario e la sua necessità di renderlo concreto nelle forme visibili.
Ma se questo processo naturale dell’artista si attua attraverso la realizzazione di “video arte” le implicazioni significative si fanno particolarmente interessanti. Anche il video è, come la zona tra il cielo e gli alberi, un “non luogo” dell’arte: esprime, rappresenta, racconta il movimento, l’immaginazione, il simbolo, la concretezza o qualsiasi cosa si voglia, ma “non – è” non è concreto se non nella sua visibilità. Il video può essere dunque pensato come un “area simbolica” dove avviene una prima osmosi tra l’immaginazione e la concretezza, anzi, dove entrambe vivono in forma virtuale, cioè rappresentativa del reale. La video arte si configura così come una forma rappresentativa della possibilità dell’immaginazione dinamica ed è per questo strumento tipico della nostra contemporaneità. Metaforicamente essa è anche uno stato di astrazione e rappresentazione tautologica di una difficoltà concreta dell’età tecnologica: quella di superare il non luogo dove ci siamo rinchiusi e dove preferiamo vivere le emozioni, senza fisicamente coinvolgerle nella crudezza del sentirle nella pelle.
La video arte però rappresenta soltanto questa condizione della realtà esistenziale perché se il prodotto immaginale resta tale, l’operazione che lo realizza è concretamente operativa, fisica. Il cerchio si chiude: l’immaginazione si restituisce come tale agli osservatori, ma dopo che un lavoro manuale e fisico(montaggio, ripresa, ideazione, concetto, sceneggiatura ecc.) l’ha resa visibile. La video arte si pone dunque come costruzione “concreta” di non luoghi immaginali ovvero è un processo fisico, concreto, persino faticoso, che genera l’identità, la riconoscibilità dell’immaginazione.
Questi artisti donano “non luoghi” immaginali, costruendoli attraverso una loro fisicità e una manualità: io la leggo come una metafora importante di una condizione in cui l’esistenza ci pone: l’arte del video ci potrebbe insegnare ad essere persone che provano a restituire al presente visibile, l’immaginazione, la facoltà che rende gli essere umani capaci di creare nuove prospettive di senso e di identità nella società. Così come l’artista realizza il proprio immaginario e lo rappresenta, anche noi, nella dimensione del vissuto, potremmo essere l’espressione di ciò che per noi immaginiamo. Potremmo provare ad essere, ad inseguire e a donare quello che profondamente sogniamo di noi e del senso del nostro essere.
Videodrome
La logica che lega il rapporto di senso tra i video, nasce dalla convinzione personale che le forme d’arte siano, tanto da parte dell’artista che da parte di chi le fruisce, un “luogo” fisico e visuale che mette in relazione attiva e dinamica il pensiero con il proprio essere e agire. L’arte è la “zona” dove si può trovare lo stimolo per essere, crescere, conoscere, a condizione di voler sinceramente cercare per se stessi e per gli altri, un’esistenza più sensata e meno subita.
Mandra Cerrone (Argento)
Il contatto tra simbolico e reale può avvenire attraverso oggetti e rituali ricostruiti per ridonare tanto il senso terrestre del rapporto con il trascendente che il senso trasceso dell’esperienza presente. Ciò che era ricerca o incontro più o meno consapevole è già avvenuto, ciò che era intuizione necessaria ma casuale e istintuale diviene ricerca, pratica, meditata e cosciente. Come per un opera d’arte, insieme inscindibile di pensiero e forma, c’è il rito, l’oggetto, la forma, che realizzandosi, si “offre”, a ricordare che i due universi coesistono, che è possibile, oltre che necessario abitare il “non – luogo”: la strada è aperta per ciascuno. Il cospargersi il corpo d’argento, elemento simbolico alchemico del “femminile” indica un rito di transizione e di accettazione dall’adolescenza alla maturità femminile, ma puntando l’interesse sul gesto rituale, scopriamo che ci sono modi per riagganciare intenzionalmente noi stessi al senso del nostro esistere: è il caso della via dello “sciamanesimo” della psico – magia. Tutto ciò (ed è questa spesso l’essenza dell’arte stessa) richiama ad una consapevolezza del convivere quotidianamente come esseri umani “a due dimensioni”: quella del “senso” del nostro vivere e quello degli atti che lo realizzano

nei modi e nelle possibilità di abitare un luogo “impossibile” razionalmente, ma desiderato dalla nostra stessa condizione di uomini, a metà tra l’essere e il desiderare, il vivere e il sognare, l’immaginare e il rendere conto, il pensare e il fare. Possiamo vivere così. E’ necessario vivere così, aperti alla possibilità e senza la pretesa di definirci, dicendo di noi e delle cose le verità che si vanno scoprendo.
Antongiulio Zimarino

frame video, ARGENTO, 2006
"...è l'anima femminile. Eppure è di più; è la fonte del femminino. E' tutto quanto è istinto, è un insieme di mondi visibili e nascosti, è la base. Ognuna di noi riceve da lei una cellula splendente che contiene tutti gli istinti e le conoscenze necessarie alla vita.
E' la forza Vita/Morte/Vita, è l'incubatrice. E' intuito, veggenza, colei che sa ascoltare, è il cuore leale. Incita gli esseri umani a restare multilingui; spediti nei linguaggi dei sogni, della passione e della poesia.
...Lei è idee, sentimenti, impulsi e memoria. La si è perduta e pressoche dimenticata per tantissimo tempo. E' la fonte, la luce, la notte, l'oscurità e l'alba.
...E' colei che tuona contro l'ingiustizia. E' colei che gira come una grande ruota. E' la fattrice dei cicli. E' colei che lasciamo a casa affinchè la custodisca. E' colei da cui andiamo a casa."
tratto da Donne che corrono coi lupi di Clarissa Pinkola Estés
M.C.

Tempo

2007-10-03T09:05:00.000Z

- Cosa significa esattamente "tempo"?
- Il tempo è una cosa degli uomini.
- Ma a cosa serve, come funziona, perchè c'è?
- Non significa niente, ma serve. Vedi, gli uomini sono "binari":hanno il bello e il brutto, il bianco e il nero, il dolore e la gioia, e non sanno viverli nello stesso presente, perchè non capirebbero più niente...
...gli uomini hanno bisogno di esser certi che a una cosa segue l'altra, alla vita la morte; è per loro come una strada su cui camminare, si spaventano molto quando ciò non accade come ad esempio nei sogni, in agonia, sotto droghe: sparisce la strada, camminano su una palude, nell'aria...Eppure molti di loro preferiscono quest'altro tempo che hanno dentro, e che non corre dritto, ma si muove all'impazzata in circolo: i folli per esempio, e i bambini, gli artisti. Ha tempo ciò che li colpisce di più, il resto è niente.
- E' migliore?
- E' il loro tempo.

viaggi del tempo immobile, roberto vecchioni

Binary Animal

2007-10-03T08:31:00.000Z

"15 artisti, la città e la scuola"
a cura di Annamaria Cirillo
anno 2003

15 artisti, la città e la scuola
A cura di Annamaria cirillo
E’ chiara in tutta la creatività pittorica di Mandra,riferita a periodi precedenti al suo appassionato, attuale interesse per l’arte multimediale, il totale abbandono alla preminenza di una ragione concettuale a motivo di un’arte che si esprime nell’assoluto superamento di ogni formalità e forma, intesa questa come linea di canone contenitivo, per una penetrante e preminente espressività allusiva antirealistica. Ma il fascino del suggerito e dell’immaginato, la suggestione dell’oscurità e della penombra che hanno accompagnato, in un sussurro ardito, i primi viaggi all’interno di sé, “ nei gorghi profondi” delle proprie emozioni, non sono stati confidenze di coinvolgimenti romantici o psicologici ma fredda coscienza della magia dell’ignoto. Le sue tele iniziatiche ne sono neri e sfumati presagi, come le chiare luminescenze ne sono divenute ansiose attese, e in tutto il cosmo, avvilito dall’umano, gli immensi confini da esplorare ai limiti delle possibilità, non s’ammantano più della nera e grigiastra opacità di micro rilievi materici, segnati da scritti di frequenze arcaiche, ma sono condotte dallfino alla sintesi comunicativa dell’immagine multimediale.
Certo la ricerca d’arte di Mandra, da più di un decennio, testimonia una matrice spirituale e filosofica, che più o meno evidente, accompagna, mettendosi spesso in discussione con la realtà esistenziale, le tappe più importanti della sua colta carriera artistica, sempre nel segno di un post-astrattismo intellettuale di alta espressività contemporanea.

Trittico

2007-10-03T08:09:00.000Z

Elaborazione digitale, stampa su tessuto

Afrodisiaco pane

2007-10-03T08:00:00.000Z

Afrodisiaco pane

poesie di Paola Volpe

immagini di Mandra Cerrone

edizioni Sante Di Renzo, Roma, 2003

per sempre nel mio cuore

2007-10-03T07:55:00.000Z

Il fanciullo che c'è in te

2007-10-03T07:51:00.002Z

MANDRA CERRONE & FRANCESCA MAFFEI
IL FANCIULLO CHE C’ E’ IN TE
anno 2000

Testo di Valentina Erculiani, psicologa
Ci sono molti modi di pensare alla propria infanzia: come ad un bene perduto, l’età dell’innocenza, come ad una sorta di limbo immemore in cui ancora non si davano i significati alla vita, come la risposta storiografica nella ricerca della propria identità. Vi è però, spesso, una sorta di condiscendenza, di malinconica superiorità nel guardarsi indietro, nel vedersi bambini, quasi che al bambino di allora mancasse la parte più sostanziale della vita, l’esperienza, per potersi dire compiuto.
Quando però l’infanzia incontra l’esperienza sembra perdersi in essa, piano piano, sembra disfarsi come una tela il cui bandolo è impigliato nella vita, costretto a seguirla nei suoi giri guadagnando nuovi spazi ma perdendo la propria origine.
L ‘origine, il fanciullo che siamo stati, non è un ricordo, è molto di più, è forse quello che maggiormente si avvicina alla nostra verità personale: il bambino custodisce il tesoro dell’intatto, della vita selvatica e della promessa che ci ha catturati e fatti “discendere” per seguire una traccia irrinunciabile. Quale traccia? Quale conio per l’unica moneta “vera” da spendere? Non stà a noi dirlo, saperlo, ma la risposta indugia sui visi di uomo e di donna che si con-fondono su se stessi, si riuniscono in trasparenze dove non si può dire cosa sia prima e cosa dopo.
Il fanciullo è qui custode e guerriero: conserva il segreto del “perché”, ma al tempo stesso mostra con tutto ciò che è, che è stato, con quello che ha urlato e fatto per liberare il proprio potenziale prima che la vita-l’esperienza lo costringessero allo scontro perdurante per conservarsi e progredire. Da queste foto i bambini lanciano uno sguardo puro e terribile, sguardo di angeli senza bene e senza male, senza pietà per i nostri volti di adulti che hanno saputo, o forse no, mantenere quella promessa.
L’adulto porta un tesoro d’altro tipo, porta il segno di molte contaminazioni, di mescolanze, è il protagonista del faticoso percorso di discesa nel mondo delle cose: l’anima da libera diventa materia, somma di corpo e movimenti spaventati, conquista quotidiana. Il traguardo non è un “luogo”, un’età (la prima o l’ultima saggezza), ma la possibilità di riconoscere tra quali poli stà il filo teso della vita, e percorrere questa visione con leggerezza, come un equilibrista deciso a mantenersi nel mezzo, nel centro, nell’essenza di sé.
In questa mostra, ponendosi oltre le pure suggestioni cronologiche, le autrici restituiscono alla persona una contemporaneità che zittisce, la parola e la storia lasciano il passo al sogno, all’emozione, a territori dove forse solo da fanciulli sapevamo entrare senza timore.

Cuore

2007-10-03T07:02:00.003Z

Cuore, animazione video di luoghi comuni
...ti amo con tutto il mio cuore
...ti porto nel cuore
...mi hai spezzato il cuore
director di macromedia, anno 2003
...
Simbolicamente il cuore è il luogo dell'amore.
I modi di dire riferiti al cuore esprimono sempre un vissuto emozionale.
Le emozioni sono un movimento: dall'interno di se stessi verso l'esterno.
M.C. anno 2003

Haiku

2007-10-02T13:07:00.001Z

HAIKU
Mandra Cerrone e Francesca Maffei
Museo Civico Aufidenate, Castel di Sangro, AQ - 2000

Tu sei la luna
nel fondo del mio pozzo.
Contemplazione.

Saetta raggi
Un quarto del tuo sguardo,
sole nascente.

L’ amore è vano

Fantasma che compare

Con la febbre.

Sole aranciato:
dentro la stanza fresca
cigola il letto.

Donata Zoe Zerbinati

...

L’ HAIKU È UN’ ANTICA FORMA DI POESIA GIAPPONESE;È UNA FORMA BREVE IN CUI UNA POESIA È COMPOSTA DA TRE VERSI, RISPETTIVAMENTE DI 5-7-5 SILLABE.POSSIAMO SCRIVERE DEGLI HAIKU SEMPLIFICATI SENZA FARE IL CONTO DELLE SILLABE , MA SEMPLICEMENTE SCRIVENDO UN VERSO BREVE-UN VERSO LUNGO- UN VERSO BREVE.SI POSSONO USARE GLI HAIKU COME STROFE, CREANDO COSÌ UNA CATENA DI HAIKU, UNA POESIA LUNGA.GLI HAIKU DI SOLITO NON HANNO LA RIMA.I TEMI DELL‘HAIKU SONO ISPIRATI DALLA NATURA NEI SUOI CICLI STAGIONALI, E OGNI HAIKU CONTIENE ALMENO UN KIGO, CIOÈ UNA PAROLA CHE FA DIRETTO RIFERIMENTO A VEGETAZIONE, ANIMALI, SCENE O ATTIVITÀ TIPICHE DELLA STAGIONE DI CUI SI VUOLE PARLARE.GLI HAIKU MODERNI, OLTRE ALLE STAGIONI, HANNO MOLTI ALTRI ARGOMENTI.UN HAIKU, PROPRIO PERCHÉ È COSÌ BREVE DEVE ESSERE SCRITTO CON PAROLE PRECISE, NON GENERICHE, E DEVE STUPIRE, O COMMUOVERE, O FAR SORRIDERE.MOLTE VOLTE, PER ESSERE PIÙ CONCISI, SI SALTANO VERBI.

il sole e la luna

2007-10-01T17:59:00.001Z

habitat

2007-10-01T17:50:00.003Z

materico

elaborazioni digitali di opere materiche

Oggi Sposi - Mandra Cerrone e Elio Di Blasio

2007-09-05T18:15:00.004Z

scultura in gesso

foto Paolo Dell'Elce

materico

Terre Nere

2007-08-06T18:26:00.001Z

museo di milo

landscape 1986-1990

fine anni '80

2007-07-06T18:39:00.003Z

7 piccoli cieli neri

vortice

lungolungolungomare

CURRICULUM

2006-10-02T12:04:00.001Z

Mandra Stella Cerrone
risiede a Francavilla al Mare, CH
e-mail: mandracerrone@libero.it
mostre personali
2009 "femineus et masculus" Archetyp'Art Gallery, Termoli a cura di A. Picariello
2008 “Restyling” body art, still life, computer art.
“Se potessimo attraversare età, storie, sogni e possibilità e tornare di nuovo qui per ritrovarci?Celebreremo insieme una festa della nostra anima, passata attraverso ogni cosa e ritrovata più bella, perché più grande, come quella dell’Umanità.” Chiesa di san Giovanni Battista, Penne, a cura di A. Zimarino
2006 “ORO” Area Espò, Spoltore, PE
“Ostie psicomagiche” performance Area E-spò, Spoltore
Performance “Denaro Santo”, Lavatoio Pubblico di Popoli, PE, testimone A. Zimarino,
Performance “Silent Family” c/o FM-Macchine di Montesilvano, testimone A. Zimarino
2002 “Afrodisiaco pane” mostra e pubblicazione Libreria Feltrinelli, PE (e principali città d’Italia),
rassegna “L’anima del corpo”, Museo Aufidenate, Castel di Sangro, AQ
2000 “Il fanciullo che c’è in te” con F. Maffei – Museo Civico Aufidenate – Castel Di Sangro – AQ
1999 “HABITAT”, Saletta d’Arte “I Sentieri Del Vento” Pescara e in Internet http://www.e-venti.com
1997 “Il Sole e la Luna” con Elio Di Blasio, Palazzo Dei Giustizieri Penne, PE
1995 “Oggi Sposi”, con Elio Di Blasio, galleria Bauta, Montorio, TE
a cura di A. Martino
1994 “Montone tra il sole e la luna” Montone,TE
1991 “Introverso-Estrverso” Palazzo Sirena, Francavilla, CH-
Galleria il Caso, Avezzano, AQ
Centro documentazione arte e poesia “Angelus Novus” AQ, a cura di A Gasbarrini
1990 “Duetto d’artista” Scontrone, Aquila
1989 Caffè La Lanterna, Rovereto, Trento
1987 installazione “Climax”, galleria d’arte Carducci, Pescara
1986 Donne, Galleria d’arte Carducci, Pescara e Centro culturale G.A.P.A.S. Castel di Sangro, Aquila
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mostre collettive
2010 Unbroken beat of soul / Ininterrotto battito d'anima, Ex Aurum, Pe a cura di A. Zimarino
Fame d'amore/ Hungry for love Museo Vittoria Colonna, Pe a cura di A. Zimarino (concept + image Mandra Cerrone)
Museo di Storia Naturale di Alexandropolis
Centro Municipale di Samothrace /Pinacoteca
Technopolis Foundation Takis Alexiou &CA4S,Athene
Clovec 2010-Human 2010 “Listy do neba/ letters to heaven” St Jhonn’s Chappel, Bratislava a cura di A. Zimarino
La materia nello spazio urbano, MediaMuseum, Pe a cura di A Picariello e A Rubini
“Pescarart 2010” Museo Vittoria Colonna, PE (cura di Gasbarrini, Picariello, De Santi)
2009 "Fame d'Amore/Hungry for Love", casa D'Annunzio, PE a cura di Ivan d'Alberto (concept+image Mandra Cerrone)
“Dal Futurismo al Contemporaneo” Complesso dei Dioscuri al Quirinale, Roma e Spazio Museale Tagliacozzo, AQ
Chiamata alle arti- CaA zine/32 money
2008 “L'identità del segno rivelato”, Archetyp'Art Gallery-Tracker Art, Termoli, a cura di Siano, Gasbarrini, Picariello“L’immaginazione al potere, il potere dell’immaginazione”, Angelus Novus, a cura di A. Picariello e A. Gasbarrini
“Non guarderò da un’altra parte” videodrome a cura di A. Zimarino, Spoltore
53° Premio Termoli a cura di Picariello, Dehò, Marotta
Samnium Fluxus. Museo M@M, Pietrabbomdante a cura di L. Alviani
2007 MAAAC, Nocciano (opere in permanenza
E-video - Djambadon, Spoltore, -
“La sottile linea che separa le arti applicate dall’ arte”, MAAAC a cura di Ivan
“A partire dal pensiero” Hub, Palazzo Ferrini, PE a cura di A.
Zimarino, “Semiproibiti” a cura di A. Picariello, VIII ed I Colori del Territorio, Spoltore
“La vita attiva, continuità di senso” a cura di A. Picariello, Macchiagodena, IS
“Vinart in territorio Lapio” a cura di A Picariello, Lapio, AV
“Imago Imaginis” a cura di A. Zimarino, Ortona
2006 Museo Vittoria Colonna, PE
Museo di Nocciano, PE
Casa della Cultura, Spoltore, PE
“Bellavista, ultima, lucidissima irriducibile” a cura di A. Picariello, . Spoltore, PE
“Videodrome” a cura di A- Zimarino, Spoltore Ensemble, PE
E-spòArte 7-14-21, Area Espò, Spoltore, PE
2005 “La scabrosità dell’immagine”, Museo delle Genti d’Abruzzo, PE a cura di Paolo
Dell’Elce
Grafic Biennal, Novosibirsk State Art Museum
Collettiva da Spart, PE a cura di Ciro Canale
Museo della Fotografia, Alfedena
2004 3° Biennal Internacional D’Art Gràfic 2004 – “Aqua” - St. Carles de la Ràpita, Casal Cultural “El Maset”, Spagna e Museo Michetti, Francavilla, CH
“The Artcard”, Sharjah Art Museum, United Arab Emirates
2003 “Rose’s Choice” 2° ed. Museo Internazionale della Donna nell’Arte, Scontrone, AQ
a cura di Lino Alviani
“Mail-Art” Centro Culturale Il Campo, Campomarino, CB
“15 artisti, la città e la scuola” Museo delle Genti d’Abruzzo, PE
a cura di Annamaria Cirillo
2002 Museo delle Arti e del Multimediale, Pietrabbondante, IS
2001 “Mail-Art” Centro Culturale Il Campo, Campomarino, CB
“L’eredità della strega” Galleria Bauta, Montorio, TE e Museo Civico Aufidenate, Castel di Sangro, AQ a cura di Mariarosa Dei svaldi
2000 “The international Biennal print & drawing exhibition”: R.O.C. Taipei,Taiwan.
“Direzioni di ricerca” Teatro D’Annunzio – Pescara a cura di Annamaria Cirillo
“The international Biennal print & drawing exhibition”: R.O.C. Taipei,Taiwan.
“Rose,s Choice” Biennale internazionale di Arte &Design, Catignano, Pe a cura di Lino Alviani
1996 Michetti Spazio, Palazzo dell’Emiciclo, Aq
Palazzetto De Cesaris, Spoltore PE a cura di Jenie Rossi,
1995 “Terra nera” museo laboratorio d’arte contemporanea, Milo, CT a cura di A Martino
“Linee di ricerca” The Manner Gallery PE
“Osteria dei Miracoli” PE
1994 “Katalogos” Castello Cinquecentesco, AQ a cura di A. Gasbarrini
Noel Fine Art Gallery New York
West Room Gallery, Yonkers New York
“Generazioni” Palazzo Farnese, Ortona, CH
“Segni della memoria”, Picciano, PE
1993 Galleria Pino Mollica, Roma
“60 righe 45 battute”, cronache d’arte per Il Messaggero, Angelus Novus, AQ
1992 “Avezzano 900” Avezzano, AQ
Premio Petrocchi, Castello Savelli di Palombara Sabina, Roma
1993 XLRassegna G.B. Salvi, Sassoferrato, AN (Premiata)
Premio Thaulero Ars “Castell’Arte”, TE (Premiata)
1990 “Arte Raffronto” Francavilla, CH a cura di Leo Strozzieri
“Linee di ricerca” PE a cura di Leo Strozzieri
1989 “La mela di Eva” Castel Di Sangro-Aquila-Vasto-Chieti-Penne-Pescara a cura di A. Gasbarrini
1988 6° Premio Città di San Salvo
“Premio Arte Italia” Giulianova, TE
17° Concorso S. Giovanni Bono, FO
15° Premio Sulmona
1987 Galleria d’arte Carducci, PE
1986 38° Premio Michetti
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Studi e conoscenze:
Studi: Diploma Istituto Statale d’Arte-G. Palizzi- Lanciano- Chieti (qualifica di maestro in oreficeria)
Diploma Restauro Architettonico- Università degli studi G. D’Annunzio-Pescara
Esperta in computer grafica e pacchetti applicativi su P.C.
Qualifica di Editore multimediale conseguito presso la Regione Abruzzo con la votazione di 60/60 e borsa di studio.
Triennio di formazione in psicosciamanesimo con Cristobal Jodorowsky
Seminari con il regista Alejandro Jodorowsky
Seminari su tecniche di potenziamento della creatività, arte che cura, mantra e meditazioni con
Gabriella Mereu, Sharmaji, Leonello Di Risio, Igor Sibaldi, Lorenzo Ostuni...e molti altri.

art creator x le aziende

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Extra Arte

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Lavoro come art creator free lance per aziende pubbliche e private, ho collaborato all’organizzazione di eventi culturali, campagne pubblicitarie, creazioni per l’alta moda, oggetti di design, allestimento di show room.
Esperta in editoria multimediale e cartacea, ho realizzato numerose pubblicazioni su carta e cd rom (educational, entertainment e di promozione aziendale).
Docente di computer grafica e tecniche di potenziamento della creatività.
Sia come grafico che come artista utilizzo la tecnologia, l’informatica, la fotografia, la pittura, il video. Ho pubblicato un libro di poesie (di Paola Volpe) e immagini (di Mandra) “Afrodisiaco pane”, edizioni Sante di Renzo, Roma.

frame video...

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Extra Arte

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pubblicazioni ...

Extra Arte

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